SOUS LES FLEURS

La scena è aperta e c’è ancora luce in sala. Un brano di musica tradizionale messicana trasporta il pubblico verso la creazione del coreografo Thomas Lebrun: Sous les fleurs (2023). Davanti agli occhi si apre un cortile interno, delimitato dai muri delle case, sui quali si posa una luce pittorica, tenue e colorata (Françoise Michel). È uno spazio circoscritto, al centro del quale si intravede una figura vestita con gli abiti del folklore. Una dopo l’altra, come in una scatola nera, quattro figure emergono dalle aperture e lentamente si radunano nella penombra fino a formare una composizione simile a un tableau vivant, che dà vita a uno spazio raccolto, eppure popolare.

Dalle case affiora un tessuto sonoro fatto di voci, suoni e risate, in netto contrasto con la calma e l’atmosfera rituale della scena. Una traccia in sottofondo introduce al mondo zapoteco e descrive, in lingua spagnola, «un ambiente protetto, emblematico per la comunità: lo spazio dei muxe». Si tratta di stralci di un’intervista con Felina Santiago Valdivieso, attivista originaria di Juchitán de Zaragoza (Oaxaca, Messico). Nella cultura zapoteca i muxe sono persone appartenenti a un terzo genere, distinto dal maschile e dal femminile della logica binaria occidentale. I giovani muxe vengono accompagnati dalle famiglie e dalla comunità nel loro percorso evolutivo e nella presa di consapevolezza della propria identità: «No soy la niña, no soy el niño: soy muxe».

I cinque interpreti restano a lungo sul fondo della scena, attraversati da movimenti rallentati e sospensioni. I costumi (Kite Vollard, Thomas Lebrun) – in particolare le gonne, ampie e ricamate – costituiscono un dispositivo di composizione scenica e coreografica, capace di espandere i gesti dei danzatori nello spazio e di amplificarne la drammaticità. Con il procedere lento della pièce, i danzatori abbandonano le gonne della festa, rivelando altri tessuti: balze lunghe e colorate che continuano ad attivare oscillazioni, prolungare i movimenti per inerzia, creare contatti e unire i corpi, costruendo relazioni e generando significato. Tra gli oggetti scenici, assumono particolare valore simbolico anche le ciotole con motivi floreali, dipinte a mano su fondo nero lucido, e realizzate con il guscio essiccato delle zucche jícaras. In questi contenitori, i danzatori lasciano cadere i fiori che si tolgono dal capo, sciogliendo le acconciature. Le ciotole divengono così oggetti abitati dai gesti morbidi dei performer e da una sensibilità associata al femminile, che sprigiona nell’ondulazione delle loro capigliature lucenti.

Le identità individuali si delineano con maggiore chiarezza nel secondo movimento: qui ciascun interprete incarna un mestiere d’artigianato locale, che si intreccia a esperienze legate alla violenza e al maltrattamento sessuale. Il paesaggio musicale (Maxime Fabre) evolve in elemento performativo: dalle sonorità popolari di La Llorona del Trio Monte Alban, attraverso La Bruja de Texcoco (arrangiamenti di Sébastien Martel), fino all’esecuzione vocale live di Nicolas Martel.

Con l’avanzare della pièce, la corporeità dei muxe si svela progressivamente, mentre i volti dei danzatori vengono celati da maschere di grande suggestione. La luce, delicata e fotografica, valorizza il biancore della pelle e la rotondità dei muscoli, disegnando forme di intensa e commovente bellezza, sottolineate dall’opera classica di Hector Berlioz, che introduce una dimensione melodrammatica, quasi tragica. La narrazione sfocia poi in una rottura temporale veicolata dal brano contemporaneo Kid di Eddy de Pretto, delineando l’emersione più netta della fisicità e della sensualità, in un’affermazione identitaria più radicale che richiama la cultura queer occidentale. Questo contrasto strutturale amplifica il passaggio tra un’estetica sublimante e un registro (anche vocale) più crudo, che trasferisce il corpo in una dimensione più esposta e incarnata.

Sul finire, l’atmosfera almodóvariana che aveva permeato la coreografia lascia spazio a una scena spoglia e cupa, dominata dal nero dei costumi e dal rosso delle rose recise. Con una scrittura minimale e rigorosa, in un sovrapporsi di gesti che richiamano l’iconografia della morte, emerge la solitudine dei muxe e la drammaticità che una scelta obbligata tra maschile e femminile può comportare. Nella transizione tra aspettative di virilità e accettazione del sé, Thomas Lebrun porta in scena il delicato equilibrio che oscilla tra resilienza e bisogno di riconoscimento sociale.

In questa espansione costante tra lentezza e intensità, tra colore e candore, Sous les fleurs costruisce un paesaggio scenico preciso e coerente, in cui la delicatezza del gesto convive con improvvise emersioni di forza ed energia, dando forma a una scrittura coreografica profondamente poetica, densa ed esigente.

« On ne vit qu’une fois », Felina Santiago Valdivieso

di Francesca Oddone, visto il 2 aprile 2026
Articolo pubblicato su Persinsala