CONTRE-NATURE

Deux courants latéraux façonnent la fumée qui envahit le proscenium et la poussent vers le centre du plateau. Là, le mouvement se contracte, soulevant une vague de brume qui s’élève en spirale et, en se dissipant, laisse apparaître deux silhouettes humaines sur le blanc immaculé du tapis scénique. À travers les tourbillons ténus de fumée surgissent, l’un après l’autre, les interprètes de la Compagnie de Chaillot, dont les morphologies contrastées constituent l’un des premiers signes distinctifs du collectif réuni autour du chorégraphe français Rachid Ouramdane, directeur du Théâtre national de Chaillot depuis 2021. Cet ensemble, qui rassemble environ quarante-cinq artistes – danseurs, acrobates, voltigeurs, grimpeurs et porteurs – voit huit de ses membres participer à la création de Contre-nature, projet d’une grande délicatesse, présenté en 2024 et consacré aux thèmes de la disparition et du deuil.

Les costumes conçus par Siegfried Petit-Imbert semblent accentuer la diversité corporelle des interprètes, l’un des noyaux poétiques de la création. La palette chromatique, volontairement restreinte, privilégie les blancs, les gris poussiéreux et les tonalités naturelles, favorisant une forme de dissolution de l’identité individuelle dans le paysage performatif.

Dès les premiers instants de la chorégraphie, certains interprètes paraissent s’effacer. La tête renversée en arrière, ils s’abandonnent à la main ou au corps d’un partenaire dans un mouvement de relâchement qui entraîne la perte de la verticalité et suggère un retrait progressif dans l’espace. Cette corporéité vulnérable s’accorde étroitement avec la méditation thématique de la pièce. Peu à peu, les figures se superposent en hauteur, prenant appui sur les épaules des partenaires dans des configurations pyramidales qui se transforment lentement grâce à un contrôle précis du relâchement du poids corporel, alternant appuis dynamiques, abandons dorsaux ou latéraux et variations d’équilibre.

Sur le plan chorégraphique et esthétique, Contre-nature repose sur une écriture du mouvement fondée sur la continuité, la suspension du poids et l’intégration de la danse et de l’acrobatie, fidèle à la poétique récurrente de Rachid Ouramdane. La chorégraphie privilégie ainsi des états physiques intermédiaires – appui, oscillation, suspension – dans lesquels les corps sont poussés, lancés ou comprimés dans l’espace par la force de l’autre, tant vers le haut que vers le sol. Les exigences techniques de l’acrobatie façonnent alors les dynamiques de contact, de saisie et de circulation de l’énergie à l’intérieur de l’espace scénique.

La scène demeure dépouillée. La conception lumière de Stéphane Graillot, d’une simplicité seulement apparente, constitue l’un des éléments les plus puissants de la pièce. Sur la gamme chromatique neutre des costumes, oscillant entre gris anthracite et bleu paon, se déploie une lumière laiteuse et diffuse, presque atmosphérique, qui accompagne les mouvements comme un phénomène climatique. L’usage constant de la fumée et de micro-turbulences d’air contribue également à modeler la visibilité et à renforcer la poétique de l’évanescence.

Un carillon s’inscrit dans un paysage sonore immersif fait de silences et de textures ambiantes ou électroniques, évoquant tour à tour le vent, la respiration ou le ressac marin. Cette stratification sonore prolonge le style du chorégraphe, à la fois physique, poétique et profondément collectif, marqué par une attention constante à la dimension humaine et sociale. L’ensemble tend à produire une sensation de disparition progressive de la matière performative, rappelant sans cesse au spectateur la frontière fragile entre présence et dissolution.

Depuis 2009, avec Möbius, œuvre qui marque un tournant dans son parcours, Ouramdane poursuit une recherche fondée sur la collaboration avec des artistes aux compétences multiples : danseurs, acrobates, performers issus du cirque et des disciplines aériennes. À l’image du ruban de Möbius – figure géométrique à une seule surface et un seul bord, symbole de continuité et de renversement perceptif – ses créations explorent un continuum de mouvements épurés et répétitifs, de gestes accumulant d’infimes variations, qui interrogent, sous des formes esthétiques diverses, la relation entre individu et collectif, entre intérieur et extérieur, entre espace intime et lois de la gravité.

Dans cette trame faite de vides et de relations, où les corps semblent constamment sur le point de disparaître ou d’être réabsorbés par le paysage scénique, l’écriture chorégraphique d’Ouramdane déploie une méditation profonde sur la perte. Les gestes de soutien mutuel, les chutes retenues et les figures suspendues composent une véritable grammaire de la fragilité partagée, où la vulnérabilité individuelle se transforme en expérience collective et en principe génératif.

Par Francesca Oddone, spectacle vu le 26 février 2026
Article paru sur Persinsala