FÔLEGO / RÉQUIEM SP

La compagnia brasiliana di danza contemporanea Balé da Cidade de São Paulo presenta, alla Maison de la Danse di Lione, un dittico di straordinaria forza espressiva, composto da due opere estremamente differenti. In Fôlego, di Rafaela Sahyoun, la coreografia nasce da un’energia circolare e incandescente: quattordici interpreti avviano un’oscillazione rotonda e incessante, portata dal bacino, dal torace, dal collo, dalla testa, fino alle lunghe capigliature. I corpi dei danzatori si riflettono in un immenso specchio posizionato sul fondale della scena, che trasforma i semplici spostamenti del gruppo in geometrie ipnotiche, moltiplicando i punti di vista.

Sulla musica elettronica di The Field, il colore dei costumi di Karina Mondini cambia di temperatura e di intensità nel disegno luci di Aline Santini.  Questo gioco di luce e rifrazione contribuisce a sostenere la grande intensità veicolata dai corpi che incarnano il movimento circolare, attraverso la rotazione di articolazioni, spalle, braccia e capo. Le tecniche espressive con influenze afro si riconoscono nella segmentazione della postura fisica: ginocchia sempre piegate e forte connessione con il suolo, bacino ruotato all’indietro e petto proteso in avanti. I movimenti, intimamente legati alla percussione e al ritmo, sprigionano una grande potenza nelle gambe dei danzatori, con numerosi salti e un’energia collettiva che si esprime nei corpi, fusi in formazioni che coinvolgono sempre tutti gli interpreti in scena. Nei momenti finali, molto riusciti, il pubblico intravede le sagome dei corpi in ombra mentre i proiettori illuminano la rifrazione a colori nello specchio. Si tratta di un primo tempo luminoso e potente, in cui Rafaela Sahyoun porta in scena una compagnia dal linguaggio fortemente fisico e performativo.

Nel secondo tempo, con Réquiem SP, il nuovo direttore artistico Alejandro Ahmed propone un complesso ritratto della megalopoli di San Paolo del Brasile, città di contrasti e rinascite. Diciotto interpreti si orientano all’interno di uno spazio coreografico che muove dalla samba al krump, dal balletto classico al jumpstyle, intrecciando linguaggi e identità per raccontare un itinerario emotivo che va dal lutto alla rigenerazione.
La pièce si apre in uno scenario cupo, post-apocalittico, sulla partitura del Requiem di György Ligeti. Le parole latine del Requiem appaiono nei sovratitoli e sugli schermi rettangolari che delimitano la scena. Gli interpreti portano costumi neri dalle spalle imbottite e una protagonista femminile è incappucciata e con il viso velato.
La struttura dell’opera è articolata in due atti continui, intervallati da un interludio. Durante l’interludio, il suono nasce dall’ambiente stesso (microfonazione, timbratura digitale di gocce d’acqua, contesto scenico). Agli angoli anteriori della scena, due prismi luminosi costituiti dai contenitori di acqua che compongono il sistema (Water Percussion, o Rain Machine) lasciano cadere le gocce di liquido, il cui rumore viene istantaneamente amplificato e convertito in impulsi sonori e tracciati luminosi, proiettati sul fondale della scena. Sotto gli occhi del pubblico, la scenografia diventa un ecosistema estremamente ricco, in cui oggetti, controlli fisici digitali, video-immagini, microfoni ambientali diventano parte della coreografia e del senso dello spettacolo. 

Nel secondo atto, il canto liturgico, prezioso e austero, lascia spazio alle sonorità urbane del musicista elettronico canadese Venetian Snares (alias Aaron Funk), con i brani Hajnal e Kétsarkú Mozgalom. Una telecamera sospesa scende verticalmente al centro della scena generando immagini che vengono proiettate sulla parete di fondo, alle quali si sovrappongono le inquadrature di una seconda camera su treppiede mobile, movimentata dagli artisti stessi, che si avvicendano alle riprese. In questa prospettiva, lo spazio scenico si allarga ulteriormente e diviene incredibilmente complesso: il palcoscenico è un ambiente ibrido, che ospita suono, proiezioni luminose, calligrammi, caratteri dell’alfabeto fonetico, corpo, danza e tecnologia.
Gli stimoli che deve gestire lo spettatore sono articolati e di natura diversa, vanno dagli elementi luminosi che disegnano, lettere, croci, candele, ombre cinesi, agli elementi sonori, che alternano sgocciolamenti, singhiozzi e urla isteriche, alla performance molto fisica dei corpi, che si relazionano a un contesto fatto di schermi e strisce di pavimento che vengono smantellate durante la pièce. Si tratta di un’opera immersiva e disorientante che irrompe nella sala: immagini che si scompongono, come nei circuiti di videosorveglianza, un’illuminazione che segue i danzatori quando scendono tra il pubblico per effettuare riprese con i propri telefoni cellulari, passi di samba, atmosfera da Squid Game e il sipario che si abbassa più volte senza significare la conclusione della serata.

L’opera di Alejandro Ahmed, creata per il Balé da Cidade de São Paulo con il supporto dell’Orquestra Sinfônica Municipal e del Coral Paulistano, si configura come un progetto che accende un dialogo multiforme e sofisticato tra danza, musica, ambiente urbano e tecnologia. Il disegno luci, i dati sonori e le immagini partecipano in modo altamente concettuale al dispositivo estetico e coreografico. Il lavoro sul corpo non è per questo meno intenso: cadute, spazi non convenzionali, gesti che evocano dislocamento, tensione, caos, ibridazione. È un’opera composta di frammenti cinematografici, di continue metamorfosi, di tecnica e di furia, che apre interrogativi risonanti tra la severità della prima parte e l’elettronica radicale e istintiva del secondo atto, tra la morte, il lutto e le sfide pop.
Il linguaggio sperimentale di Réquiem SP, per la sua densità e autonomia, si afferma come spettacolo autosufficiente e compiuto; inserito in un dittico, rischia piuttosto di debordare, eccedendo i limiti della forma che gli viene imposta.

di Francesca Oddone, visto il 18 ottobre 2025
Articolo pubblicato su Persinsala